DIBUJO
TCO LOND’S 2016
Llamamos lenguaje a la forma que tienen los seres
vivos de comunicarse. El lenguaje está basado en unos códigos o reglas.
El lenguaje visual es el que desarrollamos en el
cerebro relacionado con la manera como interpretamos lo que percibimos a través
de los ojos, dicho de otra manera es el lenguaje que se establece a través de
las imágenes.
Para que se produzca un acto de comunicación tienen
que existir los siguientes elementos:
1.
Código: Es un sistema de signos que se
combinan siguiendo unas reglas.
2.
Mensaje: Es el concepto o señal que se quiere transmitir.
3.
Canal: El proceso de comunicación que emplea ese código
precisa de un canal para la transmisión de las señales. El Canal sería el medio
físico a través del cual se transmite la comunicación.
4.
Emisor: Es la persona o entidad que se encarga de
transmitir el mensaje. Esta elige y selecciona los signos que le convienen, es
decir, realiza un proceso de codificación; codifica el mensaje.
5.
Receptor: Será aquella persona o entidad
a quien va dirigida la comunicación; realiza un proceso inverso al del emisor,
ya que descifra e interpreta los signos elegidos por el emisor; es decir,
descodifica el mensaje.
En el lenguaje hablado el alfabeto y su gramática
son el código y el canal las ondas sonoras, formando en su conjunto el mensaje
que se quiere emitir y hacer llegar al receptor.
Ejemplo de comunicación visual, el emisor es la
jefatura
de tráfico el mensaje es “prohibido adelantar”
perteneciente al código
de circulación, el canal es la propia señal en el
que se reproduce la
imagen y los receptores son los conductores.
1.2 CARACTERÍSTICAS DE LA COMUNICACIÓN VISUAL
El lenguaje visual, a diferencia de otros tipos
lenguaje, posee sus propias características:
1.
Es de carácter universal pues su código
es directo y de fácil interpretación, su mensaje traspasa fronteras de ahí su
importancia en un mundo cada vez más globalizado.
2.
Puede ser intencional si es emitido
por el hombre, o casual si está fuera de su control. Intencional sería por
ejemplo las banderas de colores que califican el estado de la mar en las playas
y casual la imagen en el horizonte de un tornado acercándose.
Ejemplo de comunicación visual intencional
Dentro del mensaje visual intencional podemos
distinguir tres grandes grupos en función del tipo de mensaje que queramos
emitir :
2.1 LENGUAJE VISUAL OBJETIVO
Es el que transmite una información de modo que
solo pueda tener una interpretación, por ejemplo el lenguaje técnico y
científico. A este grupo pertenecen sobre todo el dibujo técnico y sus
diferentes ramas.
2.2 LENGUAJE VISUAL ARTÍSTICO
Posee una función estética. Dentro de este grupo
hay una gran variedad de disciplinas, por ejemplo la mayoría de las “Bellas
Artes” (pintura, escultura, etc...), la fotografía, la expresión corporal, los
comics etc...
Cabe destacar en este tipo de lenguaje la
interacción con la poesía, que enfatiza aún más el significado de la obra de
arte, una escultura o pintura inspirada en un acto poético llega a la
sensibilidad del receptor y adquiere una dimensión artística que sólo los
grandes creadores pueden emitir.
La dama del armiño, Leonardo da Vinci
La Piedad, Miguel Ángel
2.3 LENGUAJE VISUAL PUBLICITARIO
Su objetivo es informar, convencer y vender. El uso
de este lenguaje puede aglutinar otros tipos de actividades que forman parte
del grupo del lenguaje visual artístico, como son la pintura y la fotografía,
pero sólo como medio para alcanzar su único fin que es el publicitario. Las
disciplinas propias de este tipo de lenguaje son el dibujo publicitario y las
artes gráficas.
Ejemplo de comunicación visual casual
1.3 IMAGEN Y REALIDAD
La relación entre imagen y realidad puede ir desde
una imitación o copia de la realidad, hasta una representación sin ninguna
relación objetiva con la realidad representada.
Podemos distinguir entre :
1.
Imágenes realistas: Son las que
representan fielmente la realidad
2.
Imágenes figurativas: Las que se
inspiran en la realidad y la transforman
3.
Imágenes abstractas: No hay una
relación objetiva con la realidad
Los distintos estilos pictóricos han evolucionado
desde esta amplia base pudiéndose distinguir los diferentes estilos, realismo,
cubismo, abstracto etc...
Son dos procesos dependientes entre sí, pero muy
diferentes. Hablamos de visión cuando nos referimos al hecho físico de recibir
y sentir la luz con nuestro aparato ocular.
Estas sensaciones visuales deben ser procesadas por
el cerebro para que puedan ser comprendidas, a esto le llamaremos percepción.
Podemos estudiar la percepción desde distintos puntos de vista:
3.1 PERCEPCIÓN DE LA FORMA
Nuestra percepción no es capaz de comprender un
número ilimitado de elementos independientes. Ante una cantidad excesiva de
elementos disonantes, fracasa y los rechaza.
Esto hace que nuestro sistema perceptivo tienda a
unificar y organizar los elementos de la imagen en unidades simples.
Contrariamente a lo que se pueda pensar primero percibe el conjunto y después
pasa a identificar las partes.
Para conseguir simplificar y dar forma a las
imágenes que recibe, la percepción trabaja según una serie de
"leyes". Estas son algunas de ellas :
1. Ley de proximidad :
Nuestra percepción tiende a asociar los elementos
que se encuentran cerca y considerarlos como un grupo.
1.
Ley de forma cerrada :
Para nuestra percepción una forma cerrada tiene más
coherencia que una abierta.
2. Ley de similitud :
Nuestra percepción tiende a asociar los elementos
que tienen parecidas propiedades. Por ejemplo de forma, color, textura,
dirección...
En el siguiente ejemplo al cambiar de color
percibimos los diez círculos como cinco parejas.
3.2 PERCEPCIÓN
DEL ESPACIO
1. Diferencia de tamaño :
Ante dos objetos aparentemente iguales nuestra percepción
asume que el más pequeño se encuentra más lejano.
2. Diferencia de tono :
Los objetos más cercanos tienden a tener un color
más cálido. Con la distancia el color de los objetos varía hacia tonalidades
más frías, debido al efecto de filtro del aire atmosférico. Nuestro cerebro
percibe como más lejanos los tonos fríos.
3. Diferencia de
saturación :
Las partículas de agua y polvo que se encuentran
suspendidas en el aire producen un efecto de filtración de la luz, esto hace
que veamos los objetos lejanos con un color más pálido (menos saturado).
Nuestro cerebro percibe como más lejanos los colores poco saturados.
1. Diferencia de altura :
Los objetos apoyados en el suelo que se encuentran
cerca de nosotros los vemos dentro de nuestro campo de visión más abajo que los
que se encuentran más lejanos. Por esto en cualquier imagen cerebro percibe
como más cercano a nosotros los elementos que se encuentren más abajo.
3.3 PERCEPCIÓN DEL COLOR
Cuando vemos un color, nuestra percepción de él es
influida por los colores que lo rodean. Nunca podremos considerar las
características de un color como absolutas sino siempre relativas al entorno.
En el siguiente ejemplo podemos ver como en cada fila de cuadrados los
centrales, que tienen el mismo color, parecen tener colores distintos :
Lupshin Eugene, realismo Joan Miró, abstracto
Las técnicas son todos los procedimientos o
maneras de utilizar los materiales. Los materiales son las herramientas con las
que podemos dibujar, pintar, esculpir o realizar las técnicas de impresión.
Existen muchas técnicas y materiales
utilizados tradicionalmente. A éstos, en los últimos años, se han añadido
nuevas técnicas aportadas por las Nuevas Tecnologías, las posibilidades que
ofrecen para expresarse y experimentar son múltiples ya que se pueden combinar
y mezclar técnicas y materiales diferentes.
4.1 TÉCNICAS SECAS Y HÚMEDAS
Las técnicas secas se presentan en
forma de lápiz o barra y se pueden aplicar directamente; las técnicas húmedas
son aquellas en las que los pigmentos se encuentran diluidos en un medio acuoso
o aceitoso y están contenidas en un tubo, tarro o pastilla. Las primeras son
más precisas y las segundas ofrecen más calidades, colores más intensos y mayor
posibilidad de realizar diferentes texturas.
4.1.1 Técnicas secas:
1.
El lápiz de grafito:
Es el medio más común para dibujar.
Creado por el francés Conté a finales del siglo XVIII puede tener diferentes
grados de dureza. Los lápices más blandos se emplean para el dibujo a mano
alzada y para el sombreado ya que permiten una mayor variedad de trazos y
tonalidades. Los lápices más duros para dibujos técnicos que requieren una
mayor precisión. El principal soporte para utilizar el lápiz de grafito es el
papel.
Dibujo de caballo, Leonardo Da Vinci
1.
Lápices de colores:
Permiten realizar dibujos con una
gran variedad de tonos de colores y ofrecen la posibilidad de realizar
gradaciones o texturas a base de tramas de líneas cruzadas. Como los lápices de
grafito los hay de diferentes grados de dureza y los hay también, acuareables.
1. Rotuladores:
Es una técnica en continua evolución
ya que a menudo aparecen nuevos modelos con distintas posibilidades gráficas.
Su principal característica es que están formados por un tubo donde reposa la
tinta y un puntero que la aplica sobre el soporte del dibujo, pueden también
crear transparencias. Debido a sus características, es importante recordar que
primero deben aplicarse los colores claros
y luego las más oscuros.
1. Carboncillo :
Llamamos carboncillo al carbón
vegetal. El carboncillo se utiliza para hacer dibujos preparatorios, estudios
detallados de claroscuro y para esbozar la composición de una pintura de óleo o
acrílico. Se utiliza tanto para el dibujo a línea como para la mancha,
permitiendo la obtención de variadas gamas de grises. También se utiliza en los
dibujos académicos, consiguiendo un suave modelado en el que se reproducen
sombras, luces y reflejos con mucho detalle.
1. Ceras:
Las ceras son una mezcla de pigmentos
más cera y grasa animal como aglutinante. Por su composición, las ceras aportan
a los dibujos, una plasticidad muy característica como poder crear efectos de
luz y textura con los dedos.
Edgar Degas
1. El collage :
Es una técnica que se basa en pegar
sobre una superficie dibujos, fotografías o diferentes objetos (madera, piel,
periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, etc...), sobre diferentes
soportes como cartón, lienzo o tabla. El término viene del francés y significa
pegado, encolado. Los cubistas como Georges Braque o el artista español Pablo
Picasso fueron los primeros en realizar collages pero luego todos los
movimientos de vanguardias posteriores los hicieron. Existen otras técnicas
relacionadas con el collage como son: el fotomontaje y el deco upage.
Ejemplo de collage
4.1.2 Técnicas húmedas:
1.
La témpera :
Este tipo de pintura se caracteriza
por ser opaca y cubriente, lo que permite trabajar tintas planas y corregir
errores. También nos da la posibilidad de trabajar con capas traslúcidas si le
añadimos más agua.
Tempera
1.
La acuarela:
La acuarela se distingue de otros
medios acuosos como la témpera (o gouache) por ser una pintura transparente en
la que el color se trabaja por capas. Los colores resultan muy brillantes y los
blancos los dará el blanco del papel. Es necesario utilizar papeles de textura
rugosa y alto gramaje para que absorban parte del agua.
Además, la técnica se puede emplear
como base para diferentes procedimientos como reservar zonas con cinta adhesiva
o enmascarador o mezclarla con ceras, sal, plásticos, etc. Las posibilidades
son infinitas.
Acuarela, paisaje marino.
1. Óleo:
Su nombre proviene del aglutinante
aceitoso que contiene, ya que está compuesto por pigmentos y aceites como el de
linaza. Se presenta en tubos de pintura y es una técnica muy utilizada porque
permite conseguir variados efectos de claroscuro, colores y texturas.
Óleo paisajístico, Monet
4.2 TÉCNICAS DE IMPRESIÓN
Las técnicas de impresión son los
diferentes métodos mediante los cuales se crean estampaciones o impresiones de
imágenes semejantes, realizadas previamente sobre una matriz o plancha y
actualmente también en soportes digitales propios de las nuevas tecnologías.
El grabado es el arte que utiliza
estas técnicas que permiten la reproducción de imágenes en serie. Las
diferentes técnicas de grabado que existen se clasifican en cuatro grandes
grupos.
1.
El grabado en relieve:
Se retira material de la matriz,
quedando en el plano superior la imagen (en negativo) que queremos obtener. Las
técnicas más importantes son la xilografía (matriz de madera) y el linóleo
(material sintético).
Xilografía, matriz de madera y
estampado.
1. El grabado en hueco:
Emplea planchas de metal sobre las
que se actúa con diferentes herramientas (método directo) y/o procedimientos
químicos (métodos indirectos) para formar los surcos en los que se depositará la
tinta que formará la imagen. Técnicas: punta seca, aguafuerte, aguatinta,
etc...
Aguafuerte
1. El grabado en plano:
Su principal exponente es la
litografía que utiliza una piedra como plancha. Una de las técnicas de
impresión más utilizadas en la actualidad y un método relativamente reciente es
la serigrafía que se basa en hacer pasar tinta o pintura a través de una
plantilla de seda o fibra sintética a un papel o tejido.
Proceso de creación de litografía.
1. Impresión digital:
La impresión digital es un proceso
que consiste en la impresión directa de un archivo digital a papel, tela,
plástico, etc..., por diversos medios, siendo el más común la tinta en
impresora de inyección de tinta (cartuchos), y toner en impresora láser.
Impresión digital publicitaria con
plotter.
Es el elemento de expresión plástica más pequeño.
El punto no tiene dimensión pero puede cambiar de tamaño, color y forma. Puede
configurar líneas y formas por medio de la alineación y la agrupación.
5.1 EL
PUNTO EN SOLITARIO
El punto tiene una gran fuerza expresiva que atrae
la mirada tanto si está aislado como combinado con otros puntos.
Si dibujas un punto en una hoja de papel se
convierte en el centro del campo visual y crea una tensión que atrae
intensamente la mirada del espectador. Las sensaciones que produce pueden ser
muy diferentes según la posición en la que está colocado. Así, si dibujamos un
punto en el centro de la hoja, dará la sensación de quietud, estabilidad e importancia,
ya que las tensiones visuales van hacia el centro.
En cambio, si lo desplazas, la sensación será de
inestabilidad y movimiento, ya que obliga a los ojos a moverse hacia el.
La sensación que se produce varía según la
situación del punto, porque entra en juego la percepción subjetiva que produce
nuestra experiencia visual.
En otro ejemplo, un punto colocado en la parte
superior de la hoja transmite una sensación de importancia, pero también de
desequilibrio, como si se fuese a caer; por el contrario, si está en la parte
inferior, la impresión producida será de calma y reposo, y si se desvía hacia
la derecha de continuidad, como invitando a pasar la hoja.
5.2 EL
PUNTO AGRUPADO
Mediante la concentración y la dispersión de puntos
podemos sugerir el claroscuro, conseguir efectos volumétricos y modulares las
formas de los objetos.
Ordenando los puntos de forma conveniente, podemos
representar cualquier imagen pues el punto es la base de todas ellas.
Si ampliamos la imagen de un dibujo de una revista
o hacemos un zoom con una imagen en nuestro ordenador, observamos que están
compuesta por la agrupación de miles de puntos de distinto color.
5.3 EL
PUNTO EN EL ARTE
A lo largo de la historia muchos artistas y estilos
de pintura han usado el punto como la base para expresar las formas que los han
caracterizado. Desde el uso del mosaico hace más de 2000 años hasta los cuadros
tipo cómic de Roy Liechtenstein en la segunda mitad del siglo XX, pasando por
el estilo puntillista de Seurat. Citamos algunos ejemplos:
Mosaico Bizantino (anónimo)
Detalle de La Parade (1889), obra puntillista de
Seurat
Vasily Kandinsky Composición 8, julio de 1923
Joan Miro La poesía
Lichtenstein's 1965 “Sunrise”
Una línea es
una sucesión continua de puntos. En dibujo, la
línea se denomina también raya, y es la huella que deja un útil sobre una
superficie (papel, plástico, madera...) cuando se desplaza sobre ella.
Físicamente la línea no existe, en realidad, se trata de un concepto inventado
por el hombre.
La línea es considerada como el elemento
fundamental del dibujo y de la escritura, puesto que las letras están formadas
también por líneas. El niño desde los primeros años comienza a dibujar líneas,
que primeramente son garabatos y que, más tarde, irá dando forma hasta obtener
dibujos.
La línea en la pintura rupestre
6.1 TIPOS
DE LÍNEA
Básicamente podemos decir que existen dos tipos de
líneas ; las rectas y las curvas.
La línea recta es obtenida cuando no se modifica su
dirección y la curva cuando ésta varía constantemente. La línea recta puede
ser: horizontal, vertical e inclinada. Si combinamos las líneas rectas y curvas
se obtienen otras denominadas mixtas, que en el mundo real son las que más
predominan.
algunos tipos de línea
6.2 VALOR
SIMBÓLICO DE LAS LÍNEAS
En general una línea nos transmite siempre la
sensación de delgadez, pero cuando éstas se agrupan pueden comunicarnos otras
sensaciones en función del tipo de línea que predomine.
1.
Líneas verticales : Nos sugieren elevación física o espiritual,
equilibrio, actividad, vida, masculinidad, solidez, por ejemplo, asociamos
solidez a las construcciones que se elevan sobre el suelo.
2.
Líneas horizontales : Simbolizan tranquilidad, reposo, seguridad,
estabilidad. La justificación la encontramos porque es sobre planos
horizontales en donde nos movemos y sobre los que descansamos.
3.
Líneas oblicuas : Simbolizan falta de equilibrio o
inestabilidad, acción, movimiento. Las líneas oblicuas ascendentes hacia la
derecha expresan dinamismo, mientras que las descendentes hacia la izquierda
expresan caída.
Así, por ejemplo, nuestro cuerpo ante una caída
libre o pérdida del equilibrio adopta una posición inclinada.
1.
Líneas curvas : Representan movimiento, sensibilidad,
vibración, sensualidad, suavidad, feminidad, indecisión, intranquilidad. Si la
curva es cerrada simboliza encierro, confort, y si es abierta, evasión.
Si observas la naturaleza (árboles, plantas, hojas,
montañas...), veras que este tipo de líneas son las que más abundan.
6.3 LA
LÍNEA COMO CONTORNO
Llamamos contorno a la línea cerrada que limita a
las formas. Al dibujo de contorno se le suele llamar también silueta. Mediante
el contorno y nuestras experiencias previas reconocemos los objetos. Los
contornos básicos son el círculo, el cuadrado y el triángulo.
6.4 LA
LÍNEA Y EL VOLUMEN
La percepción de volumen viene dada por la ilusión
que nos provoca una disposición específica de un conjunto de líneas. En el
dibujo artístico la unión y el cruce de líneas, más o menos cerca entre sí, nos
sugiere la idea de volumen de una forma realista. En el dibujo técnico unas
pocas líneas nos hacen ver la forma perfecta de un cuerpo geométrico.
6.5 LA
LÍNEA EN LA OBRA DE ARTE
La línea aparte de ser un instrumento para
representar la forma también se usa como guía para la composición de la obra de
arte.
Si analizamos a fondo una obra de arte vemos que
los elementos que la componen siguen unas reglas de composición definidas por
líneas imaginarias que aportan proporcionalidad y armonía a la hora de
percibirlas.
Si observamos la pintura de un paisaje, la posición
de la línea del horizonte en relación con el cuadro determina el equilibrio
entre el cielo y la tierra y depende del mensaje del artista la situación de
ésta, una línea de horizonte más baja corresponde a un espacio más amplio,
mayor volumen y grandiosidad, por el contrario una línea de horizonte más alta
transmite un espacio más cerrado menor volumen y más cercanía.
El uso de líneas imaginarias en la composición
siguiendo patrones geométricos (círculos, triángulos, cuadrados, convergencia
de líneas, etc...) ayuda al artista en la percepción de la obra que quiere
expresar
Paisaje de Canaletto
Líneas compositivas en un cuadro de
Jacques-Louis David
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El
Color
7.1 LA LUZ Y EL COLOR
7.1.1 Percepción
del color
El color es una sensación que se percibe gracias al
sentido de la vista. Esta sensación se produce cuando la luz que ilumina un
objeto o una imagen es reflejada y llega a nuestros ojos. La luz y el color se
transmiten por el espacio mediante ondas.
En el fondo de nuestros ojos hay unas células
llamadas conos y bastones que se activan al recibir la luz, y mediante impulsos
eléctricos llevan la información del color que estamos viendo a nuestro
cerebro.
7.1.2 El
arco iris y el prisma de Newton
La luz blanca del sol está formada por la unión de
los colores del arco iris, que se produce cuando los rayos del sol atraviesan pequeñas gotas de agua contenidas
en la atmósfera terrestre.
Fue Isaac Newton quien descubrió en el año 1666 el
espectro de la luz solar. Para ello, hizo pasar un rayo de luz solar por un
prisma de cristal y observó cómo la luz blanca se dispersaba en diferentes
colores sobre una pantalla blanca, dando lugar a lo que denominamos el espectro
visible de la luz solar, que está formado por los colores: rojo, naranja,
amarillo, verde, azul, añil y violeta. Los colores son ondas, y cada color tiene
una longitud de onda diferente, por eso cuando la luz blanca entra en el
prisma, cada color toma un camino distinto y lo atraviesa a distinta velocidad,
por eso los colores se separan.
Newton descubrió con este experimento que la luz
blanca es una mezcla de todos los colores del espectro visible.
7.1.3 El
color luz. Mezcla aditiva
El color Luz es el producido por las radiaciones
luminosas. Los tres colores luz primarios son : rojo anaranjado, verde y
violeta. Si mezclamos estos tres haces de luz sobre una pantalla blanca el
resultado es la luz blanca.
La mezcla de dos colores luz proporciona un color
más luminoso, por lo que se denomina mezcla aditiva.
Luz verde + luz roja = luz amarilla
Luz violeta + luz verde = luz cyan
Luz roja + luz violeta = luz magenta
7.1.4 El
color pigmento. Mezcla sustractiva
Los colores pigmento son los obtenidos de
sustancias materiales artificiales que si son mezcladas con un aglutinante
(agua, aceite, etc...) pueden utilizarse para pintar. Los colores pigmento
primarios son: el amarillo, el magenta y el cyan. Mezclando a partes iguales
dos primarios se obtienen los colores secundarios. La mezcla de los tres
colores primarios da como resultado el color pigmento negro.
la mezcla de colores pigmento recibe el nombre de
mezcla sustractiva porque al mezclarse pierde luminosidad.
7.2 TIPOS
DE COLORES Y SUS RELACIONES
7.2.1 Colores
primarios
Son aquellos colores que no pueden obtenerse
mediante la mezcla de ningún otro por lo que se consideran absolutos, únicos.
Tres son los colores que cumplen con esta
característica: amarillo, el rojo y el azul. Mezclando pigmentos de éstos
colores pueden obtenerse todos los demás colores.
7.2.2 Colores
secundarios
Son los que se obtienen mezclando dos colores
primarios al 50 %, obteniendo: Verde (S), violeta (S) y naranja o anaranjado
(S).
7.2.3 Colores
terciarios
Los tonos terciarios se consiguen al mezclar partes
iguales de un primario (P) y de un secundario (S) adyacente :
1.
amarillo terciario = (verde+naranja)
1.
rojo terciario = (naranja+violeta)
2.
azul terciario = (verde+violeta)
Los colores terciarios son los más abundantes en la
naturaleza y por lo tanto los más usados en la pintura, ya que por ellos
brillan los más exaltados y cobran vida los de intensidad media.
7.2.4 El círculo cromático
Desde un punto de vista teórico un círculo
cromático de doce colores estaría formado por los tres primarios, entre ellos
se sitúan los tres secundarios y entre cada secundario
El blanco y el negro no pueden considerarse colores
y por lo tanto no aparecen en un círculo cromático, el blanco es la presencia
de todos los colores y el negro es su ausencia total. Sin embargo el negro y el
blanco al combinarse forman el gris el cual también se marca en escalas. Esto
forma un círculo propio llamado "círculo cromático en escala de
grises" o "círculo de grises".
7.2.5 Colores
complementarios
Para definir los colores complementarios es muy
útil la siguiente regla: el complementario de un primario es la mezcla de los
otros dos primarios, que lógicamente nos dará un secundario. En el círculo
cromático son siempre los diametralmente opuestos. Son de un gran contraste
cromático y usados juntos salen reforzados.
El complementario del amarillo será el violeta ,
porque se obtiene mediante la mezcla de los primarios azul y rojo. El
complementario del azul será el anaranjado porque se obtiene mediante la mezcla
del rojo y del amarillo, y por último el complementario del rojo será el verde
que se obtiene con la mezcla del amarillo y el azul.
7.2.6 Colores
afines
Los colores afines son aquellos contiguos en el
círculo cromático y resultan armoniosos.
7.3 CUALIDADES
DEL COLOR
7.3.1 Tono
Es el nombre que se le da a cada color.
La tonalidad es el estímulo que nos permite
distinguir un color de otro, la sensación cromática con la que se diferencia
cada parte del espectro, el color en si mismo.
7.3.2 Saturación
Es el grado de pureza de un color, la sensación más
o menos intensa de este.
Los colores más saturados o intensos son los seis
colores fundamentales. Cuando se mezclan con blanco, con negro o con otros
colores pierden intensidad.
7.3.3 Luminosidad
Distingue el grado de claridad o luz de un color.
Cuando añadimos blanco a un color, aumentamos su valor y cuando añadimos negro
le restamos valor. El grado máximo de valor lo tiene el blanco y el mínimo el
negro.
7.4 ARMONÍA
Y CONTRASTE
7.4.1 Armonía
Los colores armónicos son aquellos que funcionan
bien juntos, es decir, que producen un esquema de color atractivo a la vista.
Es la combinación producida por tonos próximos en la rueda de color a partir de
ligeras variaciones sobre un mismo tono, corresponde a los colores afines.
7.4.2 Contraste
Las combinaciones producidas por tonos opuestos en
la rueda, contrastan fuertemente produciendo un gran atractivo visual,
corresponde a los colores complementarios.
7.5 LA EXPRESIVIDAD EN EL COLOR
7.5.1 Simbolismo
del color
Aunque la influencia que tiene el color sobre cada
uno de nosotros es algo muy personal, lo cierto es que en la mayoría de los
casos reaccionamos físicamente igual ante la presencia de un determinado color
dentro de un mismo contexto, como la de frío en una habitación pintada de azul
o de calor si está pintada de rojo. En la siguiente tabla vemos algunos
sensaciones comunes respecto a distintos colores.
7.5.2 Colores
cálidos y fríos en el círculo cromático
Los colores cálidos son la gama de colores comprendida
entre el Amarillo y el Rojo-Violeta (rojos, amarillos y anaranjados), los
asociamos a la luz solar, al fuego... de ahí su calificación de
"calientes". Los tonos cálidos, parecen avanzar y extenderse. También
se les conoce como Colores Activos.
Los colores fríos son la gama de colores que va del
Amarillo-verdoso al Violeta pasando por el azul. Son aquellos colores que
asociamos con el agua, al hielo, la luz de la luna ... siendo el máximo
representante el color azul y los que con el participan. Los tonos fríos,
parecen retroceder y contraerse. También se les conoce como Colores Pasivos.
DEFINICIÓN
Se entiende por textura el aspecto o rugosidad
exterior que presentan las superficies de una materia o de un objeto. Todo
material posee en su superficie una textura propia que lo diferencia de otro.
La textura puede ser apreciada a través del tacto o de la vista. Nuestras
experiencias visuales nos permiten identificar los objetos por el conocimiento
de la forma de la textura.
Otras veces, necesitamos además tocar la superficie
del objeto para completar nuestra información.
8.2 TIPOS
DE TEXTURA
Podemos crear tres grupos para clasificar los
distintos tipos de texturas.
• Visuales y táctiles.
• Naturales y artificiales.
• Orgánicas y geométricas.
8.2.1 Visuales
y táctiles
Las texturas visuales son fotografías o
representaciones gráficas sobre papel que podemos apreciar mediante la vista,
mientras que las texturas táctiles las percibimos por medio del tacto.
Textura visual
Textura táctil
8.2.2 Naturales
y artificiales
Las texturas naturales como su nombre indica se
encuentran en la naturaleza y su formación obedece única y exclusivamente a
leyes naturales. Son ejemplos de algunas de ellas, la corteza de los árboles,
las hojas, las piedras, la cáscara de las naranjas, etc...
Las texturas artificiales son las obtenidas por el
hombre mediante procesos de manipulación de las texturas naturales. Son
ejemplos de este tipo de texturas, la cubierta de una rueda, el chapeado de una
puerta, la superficie de revestimiento de las paredes, etc.
Textura natural
Textura artificial
8.2.3 Orgánicas
y geométricas
Las texturas se denominan orgánicas si la
distribución de sus elementos se rige por las leyes de la naturaleza,
independientemente de que éstas hayan sido manipuladas por el hombre. Por
ejemplo, una pastilla de jabón, el aspecto de una esponja, el veteado del
mármol...
Las texturas se denominan geométricas si la
distribución de sus elementos se realiza de forma geométrica. Son ejemplos de
ellas, el dibujo del pavimento del suelo, el dibujo que presenta el papel de
envolver, el dibujo de unas cortinas...
Textura orgánica
Textura geométrica
8.3 ELABORACIÓN DE TEXTURAS VISUALES
8.3.1 Técnica
del frottage
Técnica de fricción o frotamiento automático
descubierto por Max Ernst que consiste en transferir al papel o al lienzo el
veteado o rugosidad de una superficie con la ayuda de un sombreado o lápiz.
8.3.2 Técnica
del salpicado
Consiste en salpicar gotas de pintura al azar sobre
el papel. Para ello podemos usar un cepillo impregnado en pintura.
8.3.3 Técnica
del estampado
Consiste en impregnar una superficie (dedo, corcho,
esponja, objeto) y
después estamparlo sobre el papel repetidas veces.
8.4 ELABORACIÓN
DE TEXTURAS TÁCTILES
La técnica del collage puede emplearse para la
confección de composiciones con texturas táctiles. Esta técnica consiste en
elegir materiales como pueden ser palillos, cartón, arpilleras, papeles, hojas
de árboles, etc. Una vez seleccionados los materiales que vamos a utilizar
teniendo en cuenta sus características de textura y color, se fijan con algún
tipo de pegamento o cola sobre una superficie rígida. Después se pueden pintar
para dar mayor uniformidad a las texturas.
8.5 TEXTURAS
DIGITALES
El ordenador es un medio que facilita enormemente
la creación de texturas visuales. Basta para ello disponer de un programa de diseño
gráfico para poder dibujar texturas como las representadas en estas
ilustraciones. Trabajando con las texturas, podemos crear o modificar imágenes
digitales utilizando software informático adecuado.
Textura photoshop
8.6 LA
TEXTURA EN LA OBRA DE ARTE
El artista utiliza las texturas para dar un efecto
expresivo y comunicativo que nos ayuda a entender mejor la obra de arte. Hay
artistas que crean texturas mediante la aplicación directa del color con la
espátula o con otros materiales como arena, azúcar, arroz, etc...
Hoy, las nuevas tecnologías también pueden
utilizarse para crear texturas, mediante el uso adecuado de software de diseño
gráfico.
Obra de Tapies
CONCEPTO Y PERCEPCIÓN DE LA FORMA
Forma es la apariencia de todo lo que vemos
(dibujos, esculturas, objetos, personas, animales, etc...). Las formas surgen
como consecuencia de la interpretación de las imágenes.
Identificamos todos los objetos y seres que nos
rodean a través de su forma. En este proceso de identificación van a influir
nuestras experiencias, vivencias previas, estado emocional y las condiciones
ambientales que rodean al objeto.
La forma puede ser percibida por cualquiera de los
sentidos que tenemos (vista, oído, tacto, gusto, olfato) o por combinación de
varios de ellos.
El niño, desde sus primeros años percibe muy pronto
las formas, lo cual es uno de los factores fundamentales del conocimiento que
va adquiriendo.
Si a un niño de preescolar se le dibuja un círculo
y le preguntamos por su significado, el niño lo asociará a sus experiencias
conocidas y dirá que se trata de una pelota. De este modo, el niño irá
asociando las formas a los objetos conocidos.
A veces solo por el contorno podemos percibir las
formas.
9.2 CARACTERÍSTICAS
DE LA FORMA
Las formas pueden agruparse en :
1.
Bidimensionales o planas : tienen dos
dimensiones (anchura y altura).
2.
Tridimensionales: porque tienen tres
dimensiones (anchura, altura y profundidad).
Forma bidimensional Forma tridimensional
9.3 TIPOS
DE FORMA
Existe una variedad amplia de tipos de formas. Así,
las formas pueden ser naturales (nubes, hojas...) o artificiales (silla,
dibujo...). A su vez, estas formas pueden clasificarse en: orgánicas (bordes
regulares) y geométricas (orden matemático).
Forma natural Forma
artificial
Forma orgánica Forma geométrica
9.4 ESTRUCTURA
DE LA FORMA
Toda forma se sustenta en una estructura interna,
así la forma de una hoja tiene como estructura todo el entramado de nervios
primarios y secundarios, siendo la forma de la hoja el envoltorio de la
estructura. A su vez los nervios están formados también de formas que los
sustentan así sucesivamente hasta llegar a las células y moléculas. La forma de
la estructura es un factor determinante que va a influir en su resistencia.
La forma de la hoja está sustentada por una
estructura
de nervios principales y secundarios
9.5 REPRESENTACIÓN
DE LA FORMA
Las formas se pueden agrupar en dos grandes grupos
:
1.
Figurativas : se representa la forma
lo más parecido posible a la imagen real.
2.
Abstractas : se representan éstas por
medio de sensaciones que el artista trata de transmitirnos.
La Virgen del Canciller Rolin, Jan Van Eyck (1435)
Arte abstracto
(Arte figurativo)
La forma puede representarse mediante el contorno,
la silueta o el dintorno.
1.
El contorno : Se dibuja la forma por
una línea cerrada que representa la parte más extrema de la forma. El dibujo
que se obtiene es simple.
2.
La silueta : Representa un contorno
cuyo interior se rellena de un color. Se utiliza cuando se desea destacar algo
o imitar el efecto de contraluz.
3.
El dintorno : Es la manera de
representar la forma con todos los detalles interiores en cuanto a color y
textura.
9.6 FORMAS
PLANAS
Forma plana es la figura de dos dimensiones
limitada por rectas, curvas o por combinación de ambas. La forma plana es un
concepto inventado por el hombre, en realidad estamos rodeados únicamente de
formas tridimensionales. Para su estudio las agrupamos en: regulares,
irregulares, libres, figurativas, iguales y simétricas.
1.
Regulares :
Son figuras que tienen sus lados y sus ángulos iguales.
2.
Irregulares: Son figuras que no tienen todos sus lados y sus
ángulos iguales.
3.
Libres :
Son las limitadas por líneas curvas libres y sinuosas (onduladas).
Pere Ignasi
4.
Figurativas : Son formas que guardan un parecido con
objetos o elementos conocidos.
Pieter Brueghel el Viejo, Los cosechadores,1565
5.
Iguales : Son las que al superponerse coinciden.
6.
Simétricas :
Son las que, teniendo la misma forma y tamaño, su posición queda invertida
respecto de un eje imaginario que las divide.
9.7 FORMAS
PLANAS BÁSICAS
Las formas geométricas básicas son: el triángulo,
el cuadrado y el círculo.
1.
El triángulo : Tiene un fuerte sentido de verticalidad
cuando es representado apoyado con un lado horizontal, dando sensación de
reposo o estabilidad; pero si es representado apoyado por un vértice, nos
produce la sensación de equilibrio inestable y por tanto, de tensión,
conflicto, lucha, indecisión, etc.
2.
El cuadrado : Es una figura estable y sólida aunque sean
modificados sus lados y convertido en un rectángulo.Teniendo en cuenta que las
líneas horizontales se asocian con lo terrenal y las verticales con lo
espiritual, el cuadrado, por tener sus lados iguales, y estos situados en
posición horizontal y vertical ambas fuerzas (terrenal y espiritual) se
compensan o equilibran. Los artistas,utilizan la forma cuadrado en el formato
de sus obras cuando quieren transmitir sensaciones de equilibrio, estabilidad,
rectitud, esmero, etc.
3.
El círculo :
Es la forma geométrica perfecta. Puede tener diferentes significados:
inestabilidad, protección, totalidad, cerrado, etc. En el arte se le ha
relacionado con lo mágico o divino.
9.8 ILUSIONES
FALSAS EN LA PERCEPCIÓN VISUAL
En ocasiones, percibimos formas difíciles de
reconocer debido a que nuestra percepción nos confunde. Es el caso de las
denominadas ilusiones ópticas.
En la percepción visual tendemos a completar formas
aunque estas aparezcan dibujadas incompletas.
La relación espacial entre objetos próximos
desempeña también un papel importante; de este modo, es fácil confundir dos
figuras que siendo del mismo tamaño la influencia del entorno causa que las
percibamos de distinto tamaño.
DEFINICIÓN DE ESPACIO Y VOLUMEN
Espacio es una palabra que proviene del
latín spatium y significa “todo lo que nos rodea”. Tiene distintas acepciones
dependiendo en el contexto que se use pero como definición general el espacio
es la extensión del universo, decimos que todos los objetos ocupan un lugar en
el espacio.
Volumen es la parte del espacio ocupada
por un cuerpo. Vivimos en un mundo en tres dimensiones, incluso lo que llamamos
plano es tridimensional, el concepto bidimensional es una invención del hombre.
Escultura de Chillida
10.2 REPRESENTACIÓN
DEL ESPACIO EN LA OBRA DE ARTE
El hombre siempre ha tenido la necesidad de imitar
y expresar el espacio que le rodea, para ello a través de los siglos ha ido
evolucionando formas y técnicas de representación para hacerlo, como la
pintura, escultura, artes escénicas etc …
El Arte en definitiva es nuestra forma de expresar
el mundo exterior, en la pintura se siguen ciertas reglas básicas para ello.
10.2.1 La
composición
Se llama composición a la manera en que el artista
dispone los elementos que componen un dibujo. Los podemos organizar en base a
dos grupos :
1.
Las formas positivas, los objetos o
las personas representadas
2.
Los espacios negativos, las zonas
vacías
Espacio negativo y positivo
3.
El formato, que es la relación entre
el largo y el ancho de los márgenes o bordes que limitan la superficie del
dibujo.
Para componer una obra o dibujo, el artista coloca
convenientemente las formas positivas y los espacios dentro del formato.
Willem van Weeghel
10.2.2 Relaciones
cerca y lejos
La realidad en que nos encontramos inmersos es una
realidad tridimensional, que posee una altura, un ancho y una profundidad, sin
embargo las representaciones tridimensionales se realizan en el plano
bidimensional. Los artistas emplean diferentes recursos para crear la sensación
de un espacio ilusorio, estos son algunos de ellos algunos de ellos.
1.
Por cambio de tamaño, los objetos se
perciben más pequeños cuanto más lejanos están. Este recurso es utilizado de
manera consciente por el artista para priorizar objetos en la escena.
2.
Por superposición de planos, gracias
a nuestra experiencia percibimos que cuando un plano ésta delante de otro es
que esta en una posición más cercana, y por eso se superpone y lo tapa parcial
o totalmente.
10.2.3 La
perspectiva lineal
Mención aparte pero dentro de la interpretación en
el plano de la relación de distancia entre los objetos, está la “perspectiva
lineal”, que es una forma más exacta de representación tridimensional en el
dibujo bidimensional.
Cuando en Historia del Arte se usa el concepto de
“perspectiva lineal” venimos a referirnos, en relación con la pintura y el
dibujo, a los métodos de representación de la profundidad espacial.
Hasta finales de la Edad Media no se planteó el
problema de la perspectiva en la representación pictórica, recurriendo los
artistas a técnicas y soluciones diversas para tratar de reflejar la
profundidad del espacio representado. Un aspecto fundamental en la formulación
teórica de la perspectiva lineal es el punto de fuga, concebido como aquel en
el que convergen todas las líneas de profundidad. Es en la Florencia
renacentista de comienzos del siglo XV cuando el problema de la perspectiva se
abordó de una manera científica, correspondiendo a Filippo Bruneleschi
(1377-1446) la formulación de las primeras reglas en 1413. Este hecho cambió de
forma radical la posterior evolución de la historia de la pintura.
10.2.4 La
perspectiva cónica
Es un método de representación matemática de un
objeto, que causa en nuestra vista el mismo efecto que si se observara desde un
punto determinado con un solo ojo.
Para obtener la perspectiva se interpone, entre el
observador y el objeto, un plano denominado plano del cuadro. La intersección
de los rayos visuales (trazados desde el ojo del observador hacia el objeto)
con el plano del cuadro nos da la perspectiva cónica.
Los elementos que componen la perspectiva cónica
son :
1.
Punto de vista. Es el punto desde el cual se observa el objeto.
Se corresponde con el ojo del observador.
2.
Línea de horizonte. Es la recta horizontal que coincide con la altura
de nuestros ojos. Esta es conocida como la línea que separa el cielo del mar o
el cielo de la tierra.
3.
Plano del cuadro. Es el plano que se interpone entre el objeto y el
observador sobre el que se obtiene la perspectiva. Este se corresponde con el
papel sobre el que dibujamos la perspectiva.
4.
Puntos de fuga. Son los puntos situados en la línea de horizonte
donde se dirigen todas las rectas horizontales paralelas entre sí.
10.2.5 Tipos
de perspectiva cónica
La perspectiva cónica puede ser clasificada en
oblicua y central, según que el objeto esté situado oblicuo al plano de cuadro,
o con una de sus caras paralela a él. En el primer caso tendremos dos puntos de
fuga, y en el segundo uno solo.
perspectiva central
perspectiva oblícua
10.2.6 Volumen
y claroscuro
Cuando una fuente de luz incide sobre un cuerpo,
sobre éste apreciamos unas zonas iluminadas y otras que quedan en sombra. La
representación de estas diferencias de luz y sombra constituyen la técnica que
conocemos como claroscuro.
Cualquier forma que esté representada sólo por su
contorno se aprecia como plana, pero en el momento en el que representamos las
diferencias de luz y sombra que un foco cualquiera deja sobre dicha superficie,
conseguimos la sensación de volumen.
En la historia de la pintura ha habido grandes
dominadores de la técnica del claroscuro, Velazquez, Rembrandt, Murillo,
Caravaggio, han sido algunos de ellos.
El Filósofo en Meditación - Rembrandt
Las Hilanderas - Velazquez
CONCEPTO DE DIBUJO TÉCNICO
El dibujo técnico es la representación gráfica de
un objeto o una idea. Esta representación se guía por normas fijas y
preestablecidas para poder describir de forma exacta y clara, dimensiones,
formas, características y la construcción de lo que se quiere reproducir.
11.2 ELEMENTOS
GEOMÉTRICOS BÁSICOS
1.
PUNTO.
Se define como la intersección de dos rectas. No tiene dimensiones, y se nombra
con una letra mayúscula (punto P).
2.
LÍNEA.
Es una sucesión de puntos. Una línea se denomina recta, cuando los puntos van
en una misma dirección, en caso contrario se denomina curva. Las líneas tienen
una dimensión, y se nombran con una letra minúscula (recta r ó curva c).
1.
SEMIRRECTA.
Es una recta limitada por un extremo, y se nombra mediante el punto origen y el
nombre de la recta (semirrecta A-r).
2.
SEGMENTO.
Es una porción de línea limitada por dos puntos. Si la línea origen es recta,
se denomina segmento, y si la línea origen es curva se denomina arco. Se nombra
mediante los puntos de sus extremos (segmento AB o arco AB).
1.
LÍNEA QUEBRADA. Es la formada por varios segmentos o arcos.
1.
PLANO. Un
plano se define como la superficie generada por una recta al girar con respecto
a un eje perpendicular a ella, tiene dos dimensiones y queda definido por :
-Dos rectas que se cortan.
-Dos rectas paralelas.
-Una recta y un punto.
-Tres puntos.
1.
ÁNGULO.
Se define como la porción de plano comprendida entre dos semirrectas que tienen
un mismo origen. Dichas semirrectas serán los lados del ángulo, y su origen
común el vértice de dicho ángulo.
11.3 ÚTILES DE DIBUJO TÉCNICO
Los útiles más importantes con los que vamos a
realizar los dibujos técnicos son: lápices de grafito, el compás, el juego de
plantillas, la regla graduada, el transportador de ángulos, la goma de borrar y
el sacapuntas.
1.
Lápiz de grafito y portaminas. Se utilizan para el trazado de líneas. La mina
que incorpora está compuesta de grafito y arcilla, distinguiéndose unas de
otras por su grado de dureza (blandos, semiduros, duros) mediante unas letras y
números. Por ejemplo un lápiz que lleve la inscripción B quiere decir que es
blando, si lleva HB se trata de un semi duro y si lleva H, será duro. Para el
dibujo técnico suele usarse el portaminas que incorpora minas muy finas,
evitándonos el tener que estar constantemente afilándolas.
2.
El compás.
Este útil es utilizado para el trazado de arcos y circunferencias. La mina debe
afilarse en chaflán.
3.
La escuadra y el cartabón, son de material plástico transparente y se
utilizan para trazar líneas rectas. Sus bordes pueden ser rectos, biselados o
con escalón. Para el dibujo técnico se recomienda adquirirlas de un tamaño
mediano y de bordes rectos. En la figura se indican los ángulos que tienen las
plantillas así como la forma de colocarlas para el trazado de paralelas,
perpendiculares o líneas inclinadas a 45°.
4.
Regla graduada. Se utiliza para medir y transportar
medidas. La regla viene graduada en milímetros, es de material plástico
transparente y lleva uno de sus bordes, donde va la numeración, biselado.
5.
Transportador de ángulos. Este instrumento se emplea para medir y
transportar ángulos. Es de material plástico transparente y su forma es
circular o de semicírculo. Viene graduado en la escala sexagesimal. Su uso es
recomendado en aquellos casos que no podamos construir el ángulo con la ayuda
de las escuadras o el compás.
6.
Goma de borrar. Se utiliza para borrar los trazos sobrantes en un
dibujo. Para el dibujo técnico se recomienda que sea de color blanco.
CONCEPTOS GENERALES
Al igual que en las matemáticas que
realizamos operaciones de suma, resta y división, también las podemos realizar
en la geometría, la diferencia es que en esta es que las realizamos de forma
gráfica.
Antes de seguir con los
procedimientos vamos a dejar claros los conceptos básicos para poder
realizarlos.
1.
Línea recta. Es una sucesión de puntos alineados.
2.
Semirrecta.
Es una recta limitada en uno de sus extremos.
3.
Segmento.
Es una recta limitada en sus dos extremos.
4.
Medir.
En geometría medir un segmento es determinar el número de unidades que están
contenidas en dicho segmento.
5.
Valor de la medida. Es el número que expresa la medida.
6.
Distancia.
Es el camino más corto que hay entre dos elementos geométricos.
7.
Equidistancia. Es la igualdad de distancias entre dos o más
elementos geométricos.
12.2 SUMA DE SEGMENTOS
Dados los segmentos AB y BC para sumarlos seguiremos los siguientes pasos :
Dados los segmentos AB y BC para sumarlos seguiremos los siguientes pasos :
·
1. Dibuja la semirrecta r de extremo
A.
·
2. Con el compás se mide el primero
de ellos y se transporta sobre la semirrecta a partir de A trazando un pequeño
arco.
·
3. Después se mide el otro segmento
BC y se transporta a continuación del anterior.
·
4. El segmento suma será el que
abarque el total los dos, es decir el segmento AC.
Suma de Segmentos
12.3 RESTA DE SEGMENTOS
Dados los segmentos AB y BC. Para
efectuar la resta entre los segmento AB y BC debes seguir estos pasos:
·
1. Sobre la semirrecta r de extremo A
transporta con el compás el segmento mayor AB, obteniendo el extremo B.
·
2. A partir de B y hacia la izquierda
transporta el segmento menor BC, obteniendo el punto C.
·
3. El segmento que resulta de la
resta es el AC.
Resta de Segmentos
2.4 DIVISIÓN DE SEGMENTO EN PARTES IGUALES
Para dividir un segmento en partes
iguales aplicamos el teorema del matemático griego llamado Tales. Por ejemplo,
sea AB el segmento que vamos a dividir en 5 partes iguales. Los pasos que has
de seguir son:
·
1. En uno de sus extremos, el A,
traza una recta formando ángulo con el segmento dado.
·
2. Lleva sobre ella 5 divisiones
iguales con el compás.
·
3. Une la última de estas divisiones con el otro
extremo B del segmento.
·
4. Traza, por cada una de estas
divisiones, rectas paralelas a esta última, determinando sobre el segmento AB
divisiones iguales.
División de segmentos
12.5 DISTANCIA ENTRE DOS PUNTOS
Dados los puntos A y B, la distancia
entre estos puntos viene determinada por la longitud del segmento que los une.
Por lo tanto, el segmento AB representa la distancia entre esos puntos.
12.6 DISTANCIA DE UN PUNTO A UNA RECTA
Ésta se obtiene trazando por el punto una recta perpendicular a la recta dada hasta su intersección con ella
Ésta se obtiene trazando por el punto una recta perpendicular a la recta dada hasta su intersección con ella
La mediatriz de un segmento es la recta perpendicular a éste que
lo divide en dos partes iguales. Los pasos a seguir para su trazado son:
1. Abre el compás algo más de la
mitad del segmento dado AB y, con centro en el extremo A traza una arco.
2. Sin modificar la abertura del
compás y con centro en B. traza otro arco que cortará al anterior en los puntos
C y D.
3. Une los puntos C y D para obtener
la recta mediatriz (dibujada de color rojo).
El trazado de la Mediatriz de un segmento