domingo, 6 de marzo de 2016

DIBUJO TCO LOND’S 2016                       

Llamamos lenguaje a la forma que tienen los seres vivos de comunicarse. El lenguaje está basado en unos códigos o reglas.
El lenguaje visual es el que desarrollamos en el cerebro relacionado con la manera como interpretamos lo que percibimos a través de los ojos, dicho de otra manera es el lenguaje que se establece a través de las imágenes.
Para que se produzca un acto de comunicación tienen que existir los siguientes elementos:
1.   Código: Es un sistema de signos que se combinan siguiendo unas reglas.
2.   Mensaje: Es el concepto o señal que se quiere transmitir.
3.   Canal: El proceso de comunicación que emplea ese código precisa de un canal para la transmisión de las señales. El Canal sería el medio físico a través del cual se transmite la comunicación.
4.   Emisor: Es la persona o entidad que se encarga de transmitir el mensaje. Esta elige y selecciona los signos que le convienen, es decir, realiza un proceso de codificación; codifica el mensaje.
5.   Receptor: Será aquella persona o entidad a quien va dirigida la comunicación; realiza un proceso inverso al del emisor, ya que descifra e interpreta los signos elegidos por el emisor; es decir, descodifica el mensaje.
En el lenguaje hablado el alfabeto y su gramática son el código y el canal las ondas sonoras, formando en su conjunto el mensaje que se quiere emitir y hacer llegar al receptor.
Ejemplo de comunicación visual, el emisor es la jefatura
de tráfico el mensaje es “prohibido adelantar” perteneciente al código
de circulación, el canal es la propia señal en el que se reproduce la
imagen y los receptores son los conductores.
1.2 CARACTERÍSTICAS DE LA COMUNICACIÓN VISUAL
El lenguaje visual, a diferencia de otros tipos lenguaje, posee sus propias características:
1.   Es de carácter universal pues su código es directo y de fácil interpretación, su mensaje traspasa fronteras de ahí su importancia en un mundo cada vez más globalizado.
2.   Puede ser intencional si es emitido por el hombre, o casual si está fuera de su control. Intencional sería por ejemplo las banderas de colores que califican el estado de la mar en las playas y casual la imagen en el horizonte de un tornado acercándose.
Ejemplo de comunicación visual intencional
Dentro del mensaje visual intencional podemos distinguir tres grandes grupos en función del tipo de mensaje que queramos emitir :
2.1 LENGUAJE VISUAL OBJETIVO
Es el que transmite una información de modo que solo pueda tener una interpretación, por ejemplo el lenguaje técnico y científico. A este grupo pertenecen sobre todo el dibujo técnico y sus diferentes ramas.
                                    
2.2 LENGUAJE VISUAL ARTÍSTICO
Posee una función estética. Dentro de este grupo hay una gran variedad de disciplinas, por ejemplo la mayoría de las “Bellas Artes” (pintura, escultura, etc...), la fotografía, la expresión corporal, los comics etc...
Cabe destacar en este tipo de lenguaje la interacción con la poesía, que enfatiza aún más el significado de la obra de arte, una escultura o pintura inspirada en un acto poético llega a la sensibilidad del receptor y adquiere una dimensión artística que sólo los grandes creadores pueden emitir.
La dama del armiño, Leonardo da Vinci
La Piedad, Miguel Ángel
2.3 LENGUAJE VISUAL PUBLICITARIO
Su objetivo es informar, convencer y vender. El uso de este lenguaje puede aglutinar otros tipos de actividades que forman parte del grupo del lenguaje visual artístico, como son la pintura y la fotografía, pero sólo como medio para alcanzar su único fin que es el publicitario. Las disciplinas propias de este tipo de lenguaje son el dibujo publicitario y las artes gráficas.

Ejemplo de comunicación visual casual
1.3 IMAGEN Y REALIDAD
La relación entre imagen y realidad puede ir desde una imitación o copia de la realidad, hasta una representación sin ninguna relación objetiva con la realidad representada.
Podemos distinguir entre :
1.   Imágenes realistas: Son las que representan fielmente la realidad
2.   Imágenes figurativas: Las que se inspiran en la realidad y la transforman
3.   Imágenes abstractas: No hay una relación objetiva con la realidad
Los distintos estilos pictóricos han evolucionado desde esta amplia base pudiéndose distinguir los diferentes estilos, realismo, cubismo, abstracto etc...
Son dos procesos dependientes entre sí, pero muy diferentes. Hablamos de visión cuando nos referimos al hecho físico de recibir y sentir la luz con nuestro aparato ocular.
Estas sensaciones visuales deben ser procesadas por el cerebro para que puedan ser comprendidas, a esto le llamaremos percepción. Podemos estudiar la percepción desde distintos puntos de vista:
3.1 PERCEPCIÓN DE LA FORMA
Nuestra percepción no es capaz de comprender un número ilimitado de elementos independientes. Ante una cantidad excesiva de elementos disonantes, fracasa y los rechaza.
Esto hace que nuestro sistema perceptivo tienda a unificar y organizar los elementos de la imagen en unidades simples. Contrariamente a lo que se pueda pensar primero percibe el conjunto y después pasa a identificar las partes.
Para conseguir simplificar y dar forma a las imágenes que recibe, la percepción trabaja según una serie de "leyes". Estas son algunas de ellas :
1.   Ley de proximidad :
Nuestra percepción tiende a asociar los elementos que se encuentran cerca y considerarlos como un grupo.
 
1.   Ley de forma cerrada :
Para nuestra percepción una forma cerrada tiene más coherencia que una abierta.
2.   Ley de similitud :
Nuestra percepción tiende a asociar los elementos que tienen parecidas propiedades. Por ejemplo de forma, color, textura, dirección...
En el siguiente ejemplo al cambiar de color percibimos los diez círculos como cinco parejas.
3.2 PERCEPCIÓN DEL ESPACIO
1.   Diferencia de tamaño :
Ante dos objetos aparentemente iguales nuestra percepción asume que el más pequeño se encuentra más lejano.
2.   Diferencia de tono :
Los objetos más cercanos tienden a tener un color más cálido. Con la distancia el color de los objetos varía hacia tonalidades más frías, debido al efecto de filtro del aire atmosférico. Nuestro cerebro percibe como más lejanos los tonos fríos.
3.   Diferencia de saturación :
Las partículas de agua y polvo que se encuentran suspendidas en el aire producen un efecto de filtración de la luz, esto hace que veamos los objetos lejanos con un color más pálido (menos saturado). Nuestro cerebro percibe como más lejanos los colores poco saturados.
1.   Diferencia de altura :
Los objetos apoyados en el suelo que se encuentran cerca de nosotros los vemos dentro de nuestro campo de visión más abajo que los que se encuentran más lejanos. Por esto en cualquier imagen cerebro percibe como más cercano a nosotros los elementos que se encuentren más abajo.
3.3 PERCEPCIÓN DEL COLOR
Cuando vemos un color, nuestra percepción de él es influida por los colores que lo rodean. Nunca podremos considerar las características de un color como absolutas sino siempre relativas al entorno. En el siguiente ejemplo podemos ver como en cada fila de cuadrados los centrales, que tienen el mismo color, parecen tener colores distintos :

Lupshin Eugene, realismo Joan Miró, abstracto
Las técnicas son todos los procedimientos o maneras de utilizar los materiales. Los materiales son las herramientas con las que podemos dibujar, pintar, esculpir o realizar las técnicas de impresión.
Existen muchas técnicas y materiales utilizados tradicionalmente. A éstos, en los últimos años, se han añadido nuevas técnicas aportadas por las Nuevas Tecnologías, las posibilidades que ofrecen para expresarse y experimentar son múltiples ya que se pueden combinar y mezclar técnicas y materiales diferentes.
4.1 TÉCNICAS SECAS Y HÚMEDAS
Las técnicas secas se presentan en forma de lápiz o barra y se pueden aplicar directamente; las técnicas húmedas son aquellas en las que los pigmentos se encuentran diluidos en un medio acuoso o aceitoso y están contenidas en un tubo, tarro o pastilla. Las primeras son más precisas y las segundas ofrecen más calidades, colores más intensos y mayor posibilidad de realizar diferentes texturas.
4.1.1 Técnicas secas:
1.   El lápiz de grafito:
Es el medio más común para dibujar. Creado por el francés Conté a finales del siglo XVIII puede tener diferentes grados de dureza. Los lápices más blandos se emplean para el dibujo a mano alzada y para el sombreado ya que permiten una mayor variedad de trazos y tonalidades. Los lápices más duros para dibujos técnicos que requieren una mayor precisión. El principal soporte para utilizar el lápiz de grafito es el papel.
Dibujo de caballo, Leonardo Da Vinci
1.   Lápices de colores:
Permiten realizar dibujos con una gran variedad de tonos de colores y ofrecen la posibilidad de realizar gradaciones o texturas a base de tramas de líneas cruzadas. Como los lápices de grafito los hay de diferentes grados de dureza y los hay también, acuareables.
1.   Rotuladores:
Es una técnica en continua evolución ya que a menudo aparecen nuevos modelos con distintas posibilidades gráficas. Su principal característica es que están formados por un tubo donde reposa la tinta y un puntero que la aplica sobre el soporte del dibujo, pueden también crear transparencias. Debido a sus características, es importante recordar que primero deben aplicarse los colores claros


y luego las más oscuros.

1.   Carboncillo :
Llamamos carboncillo al carbón vegetal. El carboncillo se utiliza para hacer dibujos preparatorios, estudios detallados de claroscuro y para esbozar la composición de una pintura de óleo o acrílico. Se utiliza tanto para el dibujo a línea como para la mancha, permitiendo la obtención de variadas gamas de grises. También se utiliza en los dibujos académicos, consiguiendo un suave modelado en el que se reproducen sombras, luces y reflejos con mucho detalle.
1.   Ceras:
Las ceras son una mezcla de pigmentos más cera y grasa animal como aglutinante. Por su composición, las ceras aportan a los dibujos, una plasticidad muy característica como poder crear efectos de luz y textura con los dedos.
Edgar Degas
1.   El collage :
Es una técnica que se basa en pegar sobre una superficie dibujos, fotografías o diferentes objetos (madera, piel, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, etc...), sobre diferentes soportes como cartón, lienzo o tabla. El término viene del francés y significa pegado, encolado. Los cubistas como Georges Braque o el artista español Pablo Picasso fueron los primeros en realizar collages pero luego todos los movimientos de vanguardias posteriores los hicieron. Existen otras técnicas relacionadas con el collage como son: el fotomontaje y el deco upage.
                          

Ejemplo de collage
4.1.2 Técnicas húmedas:
1.   La témpera :
Este tipo de pintura se caracteriza por ser opaca y cubriente, lo que permite trabajar tintas planas y corregir errores. También nos da la posibilidad de trabajar con capas traslúcidas si le añadimos más agua.
Tempera
1.   La acuarela:
La acuarela se distingue de otros medios acuosos como la témpera (o gouache) por ser una pintura transparente en la que el color se trabaja por capas. Los colores resultan muy brillantes y los blancos los dará el blanco del papel. Es necesario utilizar papeles de textura rugosa y alto gramaje para que absorban parte del agua.
Además, la técnica se puede emplear como base para diferentes procedimientos como reservar zonas con cinta adhesiva o enmascarador o mezclarla con ceras, sal, plásticos, etc. Las posibilidades son infinitas.
Acuarela, paisaje marino.
1.   Óleo:
Su nombre proviene del aglutinante aceitoso que contiene, ya que está compuesto por pigmentos y aceites como el de linaza. Se presenta en tubos de pintura y es una técnica muy utilizada porque permite conseguir variados efectos de claroscuro, colores y texturas.
Óleo paisajístico, Monet
4.2 TÉCNICAS DE IMPRESIÓN
Las técnicas de impresión son los diferentes métodos mediante los cuales se crean estampaciones o impresiones de imágenes semejantes, realizadas previamente sobre una matriz o plancha y actualmente también en soportes digitales propios de las nuevas tecnologías.
El grabado es el arte que utiliza estas técnicas que permiten la reproducción de imágenes en serie. Las diferentes técnicas de grabado que existen se clasifican en cuatro grandes grupos.
1.   El grabado en relieve:
Se retira material de la matriz, quedando en el plano superior la imagen (en negativo) que queremos obtener. Las técnicas más importantes son la xilografía (matriz de madera) y el linóleo (material sintético).
Xilografía, matriz de madera y estampado.
1.   El grabado en hueco:
Emplea planchas de metal sobre las que se actúa con diferentes herramientas (método directo) y/o procedimientos químicos (métodos indirectos) para formar los surcos en los que se depositará la tinta que formará la imagen. Técnicas: punta seca, aguafuerte, aguatinta, etc...
Aguafuerte
1.   El grabado en plano:
Su principal exponente es la litografía que utiliza una piedra como plancha. Una de las técnicas de impresión más utilizadas en la actualidad y un método relativamente reciente es la serigrafía que se basa en hacer pasar tinta o pintura a través de una plantilla de seda o fibra sintética a un papel o tejido.
Proceso de creación de litografía.
1.   Impresión digital:
La impresión digital es un proceso que consiste en la impresión directa de un archivo digital a papel, tela, plástico, etc..., por diversos medios, siendo el más común la tinta en impresora de inyección de tinta (cartuchos), y toner en impresora láser.
Impresión digital publicitaria con plotter.
Es el elemento de expresión plástica más pequeño. El punto no tiene dimensión pero puede cambiar de tamaño, color y forma. Puede configurar líneas y formas por medio de la alineación y la agrupación.
5.1 EL PUNTO EN SOLITARIO
El punto tiene una gran fuerza expresiva que atrae la mirada tanto si está aislado como combinado con otros puntos.
Si dibujas un punto en una hoja de papel se convierte en el centro del campo visual y crea una tensión que atrae intensamente la mirada del espectador. Las sensaciones que produce pueden ser muy diferentes según la posición en la que está colocado. Así, si dibujamos un punto en el centro de la hoja, dará la sensación de quietud, estabilidad e importancia, ya que las tensiones visuales van hacia el centro.
En cambio, si lo desplazas, la sensación será de inestabilidad y movimiento, ya que obliga a los ojos a moverse hacia el.
La sensación que se produce varía según la situación del punto, porque entra en juego la percepción subjetiva que produce nuestra experiencia visual.
En otro ejemplo, un punto colocado en la parte superior de la hoja transmite una sensación de importancia, pero también de desequilibrio, como si se fuese a caer; por el contrario, si está en la parte inferior, la impresión producida será de calma y reposo, y si se desvía hacia la derecha de continuidad, como invitando a pasar la hoja.
5.2 EL PUNTO AGRUPADO
Mediante la concentración y la dispersión de puntos podemos sugerir el claroscuro, conseguir efectos volumétricos y modulares las formas de los objetos.
                   
Ordenando los puntos de forma conveniente, podemos representar cualquier imagen pues el punto es la base de todas ellas.
                   
Si ampliamos la imagen de un dibujo de una revista o hacemos un zoom con una imagen en nuestro ordenador, observamos que están compuesta por la agrupación de miles de puntos de distinto color.
5.3 EL PUNTO EN EL ARTE
A lo largo de la historia muchos artistas y estilos de pintura han usado el punto como la base para expresar las formas que los han caracterizado. Desde el uso del mosaico hace más de 2000 años hasta los cuadros tipo cómic de Roy Liechtenstein en la segunda mitad del siglo XX, pasando por el estilo puntillista de Seurat. Citamos algunos ejemplos:
Mosaico Bizantino (anónimo)
Detalle de La Parade (1889), obra puntillista de Seurat
Vasily Kandinsky Composición 8, julio de 1923
Joan Miro La poesía
Lichtenstein's 1965 “Sunrise”
Una línea es una sucesión continua de puntos. En dibujo, la línea se denomina también raya, y es la huella que deja un útil sobre una superficie (papel, plástico, madera...) cuando se desplaza sobre ella. Físicamente la línea no existe, en realidad, se trata de un concepto inventado por el hombre.
La línea es considerada como el elemento fundamental del dibujo y de la escritura, puesto que las letras están formadas también por líneas. El niño desde los primeros años comienza a dibujar líneas, que primeramente son garabatos y que, más tarde, irá dando forma hasta obtener dibujos.
La línea en la pintura rupestre
6.1 TIPOS DE LÍNEA
Básicamente podemos decir que existen dos tipos de líneas ; las rectas y las curvas.
La línea recta es obtenida cuando no se modifica su dirección y la curva cuando ésta varía constantemente. La línea recta puede ser: horizontal, vertical e inclinada. Si combinamos las líneas rectas y curvas se obtienen otras denominadas mixtas, que en el mundo real son las que más predominan.
algunos tipos de línea
6.2 VALOR SIMBÓLICO DE LAS LÍNEAS
En general una línea nos transmite siempre la sensación de delgadez, pero cuando éstas se agrupan pueden comunicarnos otras sensaciones en función del tipo de línea que predomine.
1.   Líneas verticales : Nos sugieren elevación física o espiritual, equilibrio, actividad, vida, masculinidad, solidez, por ejemplo, asociamos solidez a las construcciones que se elevan sobre el suelo.
2.   Líneas horizontales : Simbolizan tranquilidad, reposo, seguridad, estabilidad. La justificación la encontramos porque es sobre planos horizontales en donde nos movemos y sobre los que descansamos.
3.   Líneas oblicuas : Simbolizan falta de equilibrio o inestabilidad, acción, movimiento. Las líneas oblicuas ascendentes hacia la derecha expresan dinamismo, mientras que las descendentes hacia la izquierda expresan caída.
Así, por ejemplo, nuestro cuerpo ante una caída libre o pérdida del equilibrio adopta una posición inclinada.
1.   Líneas curvas : Representan movimiento, sensibilidad, vibración, sensualidad, suavidad, feminidad, indecisión, intranquilidad. Si la curva es cerrada simboliza encierro, confort, y si es abierta, evasión.
Si observas la naturaleza (árboles, plantas, hojas, montañas...), veras que este tipo de líneas son las que más abundan.
6.3 LA LÍNEA COMO CONTORNO
Llamamos contorno a la línea cerrada que limita a las formas. Al dibujo de contorno se le suele llamar también silueta. Mediante el contorno y nuestras experiencias previas reconocemos los objetos. Los contornos básicos son el círculo, el cuadrado y el triángulo.
6.4 LA LÍNEA Y EL VOLUMEN
La percepción de volumen viene dada por la ilusión que nos provoca una disposición específica de un conjunto de líneas. En el dibujo artístico la unión y el cruce de líneas, más o menos cerca entre sí, nos sugiere la idea de volumen de una forma realista. En el dibujo técnico unas pocas líneas nos hacen ver la forma perfecta de un cuerpo geométrico.
 
6.5 LA LÍNEA EN LA OBRA DE ARTE
La línea aparte de ser un instrumento para representar la forma también se usa como guía para la composición de la obra de arte.
Si analizamos a fondo una obra de arte vemos que los elementos que la componen siguen unas reglas de composición definidas por líneas imaginarias que aportan proporcionalidad y armonía a la hora de percibirlas.
Si observamos la pintura de un paisaje, la posición de la línea del horizonte en relación con el cuadro determina el equilibrio entre el cielo y la tierra y depende del mensaje del artista la situación de ésta, una línea de horizonte más baja corresponde a un espacio más amplio, mayor volumen y grandiosidad, por el contrario una línea de horizonte más alta transmite un espacio más cerrado menor volumen y más cercanía.
El uso de líneas imaginarias en la composición siguiendo patrones geométricos (círculos, triángulos, cuadrados, convergencia de líneas, etc...) ayuda al artista en la percepción de la obra que quiere expresar
Paisaje de Canaletto
Líneas compositivas en un cuadro de Jacques-Louis David
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El Color
7.1 LA LUZ Y EL COLOR
7.1.1 Percepción del color
El color es una sensación que se percibe gracias al sentido de la vista. Esta sensación se produce cuando la luz que ilumina un objeto o una imagen es reflejada y llega a nuestros ojos. La luz y el color se transmiten por el espacio mediante ondas.
En el fondo de nuestros ojos hay unas células llamadas conos y bastones que se activan al recibir la luz, y mediante impulsos eléctricos llevan la información del color que estamos viendo a nuestro cerebro.
7.1.2 El arco iris y el prisma de Newton
La luz blanca del sol está formada por la unión de los colores del arco iris, que se produce cuando los rayos del sol atraviesan pequeñas gotas de agua contenidas en la atmósfera terrestre.
Fue Isaac Newton quien descubrió en el año 1666 el espectro de la luz solar. Para ello, hizo pasar un rayo de luz solar por un prisma de cristal y observó cómo la luz blanca se dispersaba en diferentes colores sobre una pantalla blanca, dando lugar a lo que denominamos el espectro visible de la luz solar, que está formado por los colores: rojo, naranja, amarillo, verde, azul, añil y violeta. Los colores son ondas, y cada color tiene una longitud de onda diferente, por eso cuando la luz blanca entra en el prisma, cada color toma un camino distinto y lo atraviesa a distinta velocidad, por eso los colores se separan.
Newton descubrió con este experimento que la luz blanca es una mezcla de todos los colores del espectro visible.
7.1.3 El color luz. Mezcla aditiva
El color Luz es el producido por las radiaciones luminosas. Los tres colores luz primarios son : rojo anaranjado, verde y violeta. Si mezclamos estos tres haces de luz sobre una pantalla blanca el resultado es la luz blanca.
La mezcla de dos colores luz proporciona un color más luminoso, por lo que se denomina mezcla aditiva.
Luz verde + luz roja = luz amarilla
Luz violeta + luz verde = luz cyan
Luz roja + luz violeta = luz magenta
7.1.4 El color pigmento. Mezcla sustractiva
Los colores pigmento son los obtenidos de sustancias materiales artificiales que si son mezcladas con un aglutinante (agua, aceite, etc...) pueden utilizarse para pintar. Los colores pigmento primarios son: el amarillo, el magenta y el cyan. Mezclando a partes iguales dos primarios se obtienen los colores secundarios. La mezcla de los tres colores primarios da como resultado el color pigmento negro.
la mezcla de colores pigmento recibe el nombre de mezcla sustractiva porque al mezclarse pierde luminosidad.
7.2 TIPOS DE COLORES Y SUS RELACIONES
7.2.1 Colores primarios
Son aquellos colores que no pueden obtenerse mediante la mezcla de ningún otro por lo que se consideran absolutos, únicos.
Tres son los colores que cumplen con esta característica: amarillo, el rojo y el azul. Mezclando pigmentos de éstos colores pueden obtenerse todos los demás colores.
7.2.2 Colores secundarios
Son los que se obtienen mezclando dos colores primarios al 50 %, obteniendo: Verde (S), violeta (S) y naranja o anaranjado (S).
7.2.3 Colores terciarios
Los tonos terciarios se consiguen al mezclar partes iguales de un primario (P) y de un secundario (S) adyacente :
1.   amarillo terciario = (verde+naranja)
1.   rojo terciario = (naranja+violeta)
2.   azul terciario = (verde+violeta)
Los colores terciarios son los más abundantes en la naturaleza y por lo tanto los más usados en la pintura, ya que por ellos brillan los más exaltados y cobran vida los de intensidad media.
7.2.4 El círculo cromático
Desde un punto de vista teórico un círculo cromático de doce colores estaría formado por los tres primarios, entre ellos se sitúan los tres secundarios y entre cada secundario

                                                                                                                  a de su unión.

El blanco y el negro no pueden considerarse colores y por lo tanto no aparecen en un círculo cromático, el blanco es la presencia de todos los colores y el negro es su ausencia total. Sin embargo el negro y el blanco al combinarse forman el gris el cual también se marca en escalas. Esto forma un círculo propio llamado "círculo cromático en escala de grises" o "círculo de grises".
7.2.5 Colores complementarios
Para definir los colores complementarios es muy útil la siguiente regla: el complementario de un primario es la mezcla de los otros dos primarios, que lógicamente nos dará un secundario. En el círculo cromático son siempre los diametralmente opuestos. Son de un gran contraste cromático y usados juntos salen reforzados.
El complementario del amarillo será el violeta , porque se obtiene mediante la mezcla de los primarios azul y rojo. El complementario del azul será el anaranjado porque se obtiene mediante la mezcla del rojo y del amarillo, y por último el complementario del rojo será el verde que se obtiene con la mezcla del amarillo y el azul.
7.2.6 Colores afines
Los colores afines son aquellos contiguos en el círculo cromático y resultan armoniosos.
7.3 CUALIDADES DEL COLOR
7.3.1 Tono
Es el nombre que se le da a cada color.
La tonalidad es el estímulo que nos permite distinguir un color de otro, la sensación cromática con la que se diferencia cada parte del espectro, el color en si mismo.
7.3.2 Saturación
Es el grado de pureza de un color, la sensación más o menos intensa de este.
Los colores más saturados o intensos son los seis colores fundamentales. Cuando se mezclan con blanco, con negro o con otros colores pierden intensidad.
7.3.3 Luminosidad
Distingue el grado de claridad o luz de un color. Cuando añadimos blanco a un color, aumentamos su valor y cuando añadimos negro le restamos valor. El grado máximo de valor lo tiene el blanco y el mínimo el negro.
7.4 ARMONÍA Y CONTRASTE
7.4.1 Armonía
Los colores armónicos son aquellos que funcionan bien juntos, es decir, que producen un esquema de color atractivo a la vista. Es la combinación producida por tonos próximos en la rueda de color a partir de ligeras variaciones sobre un mismo tono, corresponde a los colores afines.
7.4.2 Contraste
Las combinaciones producidas por tonos opuestos en la rueda, contrastan fuertemente produciendo un gran atractivo visual, corresponde a los colores complementarios.
7.5 LA EXPRESIVIDAD EN EL COLOR
7.5.1 Simbolismo del color
Aunque la influencia que tiene el color sobre cada uno de nosotros es algo muy personal, lo cierto es que en la mayoría de los casos reaccionamos físicamente igual ante la presencia de un determinado color dentro de un mismo contexto, como la de frío en una habitación pintada de azul o de calor si está pintada de rojo. En la siguiente tabla vemos algunos sensaciones comunes respecto a distintos colores.
7.5.2 Colores cálidos y fríos en el círculo cromático
Los colores cálidos son la gama de colores comprendida entre el Amarillo y el Rojo-Violeta (rojos, amarillos y anaranjados), los asociamos a la luz solar, al fuego... de ahí su calificación de "calientes". Los tonos cálidos, parecen avanzar y extenderse. También se les conoce como Colores Activos.
Los colores fríos son la gama de colores que va del Amarillo-verdoso al Violeta pasando por el azul. Son aquellos colores que asociamos con el agua, al hielo, la luz de la luna ... siendo el máximo representante el color azul y los que con el participan. Los tonos fríos, parecen retroceder y contraerse. También se les conoce como Colores Pasivos.
DEFINICIÓN
Se entiende por textura el aspecto o rugosidad exterior que presentan las superficies de una materia o de un objeto. Todo material posee en su superficie una textura propia que lo diferencia de otro. La textura puede ser apreciada a través del tacto o de la vista. Nuestras experiencias visuales nos permiten identificar los objetos por el conocimiento de la forma de la textura.
Otras veces, necesitamos además tocar la superficie del objeto para completar nuestra información.
8.2 TIPOS DE TEXTURA
Podemos crear tres grupos para clasificar los distintos tipos de texturas.
• Visuales y táctiles.
• Naturales y artificiales.
• Orgánicas y geométricas.
8.2.1 Visuales y táctiles
Las texturas visuales son fotografías o representaciones gráficas sobre papel que podemos apreciar mediante la vista, mientras que las texturas táctiles las percibimos por medio del tacto.
Textura visual
Textura táctil
8.2.2 Naturales y artificiales
Las texturas naturales como su nombre indica se encuentran en la naturaleza y su formación obedece única y exclusivamente a leyes naturales. Son ejemplos de algunas de ellas, la corteza de los árboles, las hojas, las piedras, la cáscara de las naranjas, etc...
Las texturas artificiales son las obtenidas por el hombre mediante procesos de manipulación de las texturas naturales. Son ejemplos de este tipo de texturas, la cubierta de una rueda, el chapeado de una puerta, la superficie de revestimiento de las paredes, etc.
Textura natural
Textura artificial
8.2.3 Orgánicas y geométricas
Las texturas se denominan orgánicas si la distribución de sus elementos se rige por las leyes de la naturaleza, independientemente de que éstas hayan sido manipuladas por el hombre. Por ejemplo, una pastilla de jabón, el aspecto de una esponja, el veteado del mármol...
Las texturas se denominan geométricas si la distribución de sus elementos se realiza de forma geométrica. Son ejemplos de ellas, el dibujo del pavimento del suelo, el dibujo que presenta el papel de envolver, el dibujo de unas cortinas...
Textura orgánica
Textura geométrica
8.3 ELABORACIÓN DE TEXTURAS VISUALES
8.3.1 Técnica del frottage
Técnica de fricción o frotamiento automático descubierto por Max Ernst que consiste en transferir al papel o al lienzo el veteado o rugosidad de una superficie con la ayuda de un sombreado o lápiz.
8.3.2 Técnica del salpicado
Consiste en salpicar gotas de pintura al azar sobre el papel. Para ello podemos usar un cepillo impregnado en pintura.
8.3.3 Técnica del estampado
Consiste en impregnar una superficie (dedo, corcho, esponja, objeto) y
después estamparlo sobre el papel repetidas veces.
8.4 ELABORACIÓN DE TEXTURAS TÁCTILES
La técnica del collage puede emplearse para la confección de composiciones con texturas táctiles. Esta técnica consiste en elegir materiales como pueden ser palillos, cartón, arpilleras, papeles, hojas de árboles, etc. Una vez seleccionados los materiales que vamos a utilizar teniendo en cuenta sus características de textura y color, se fijan con algún tipo de pegamento o cola sobre una superficie rígida. Después se pueden pintar para dar mayor uniformidad a las texturas.
8.5 TEXTURAS DIGITALES
El ordenador es un medio que facilita enormemente la creación de texturas visuales. Basta para ello disponer de un programa de diseño gráfico para poder dibujar texturas como las representadas en estas ilustraciones. Trabajando con las texturas, podemos crear o modificar imágenes digitales utilizando software informático adecuado.
Textura photoshop
8.6 LA TEXTURA EN LA OBRA DE ARTE
El artista utiliza las texturas para dar un efecto expresivo y comunicativo que nos ayuda a entender mejor la obra de arte. Hay artistas que crean texturas mediante la aplicación directa del color con la espátula o con otros materiales como arena, azúcar, arroz, etc...
Hoy, las nuevas tecnologías también pueden utilizarse para crear texturas, mediante el uso adecuado de software de diseño gráfico.
Obra de Tapies
CONCEPTO Y PERCEPCIÓN DE LA FORMA
Forma es la apariencia de todo lo que vemos (dibujos, esculturas, objetos, personas, animales, etc...). Las formas surgen como consecuencia de la interpretación de las imágenes.
Identificamos todos los objetos y seres que nos rodean a través de su forma. En este proceso de identificación van a influir nuestras experiencias, vivencias previas, estado emocional y las condiciones ambientales que rodean al objeto.
La forma puede ser percibida por cualquiera de los sentidos que tenemos (vista, oído, tacto, gusto, olfato) o por combinación de varios de ellos.
El niño, desde sus primeros años percibe muy pronto las formas, lo cual es uno de los factores fundamentales del conocimiento que va adquiriendo.
Si a un niño de preescolar se le dibuja un círculo y le preguntamos por su significado, el niño lo asociará a sus experiencias conocidas y dirá que se trata de una pelota. De este modo, el niño irá asociando las formas a los objetos conocidos.
A veces solo por el contorno podemos percibir las formas.
9.2 CARACTERÍSTICAS DE LA FORMA
Las formas pueden agruparse en :
1.   Bidimensionales o planas : tienen dos dimensiones (anchura y altura).
2.   Tridimensionales: porque tienen tres dimensiones (anchura, altura y profundidad).



                
Forma bidimensional Forma tridimensional
9.3 TIPOS DE FORMA
Existe una variedad amplia de tipos de formas. Así, las formas pueden ser naturales (nubes, hojas...) o artificiales (silla, dibujo...). A su vez, estas formas pueden clasificarse en: orgánicas (bordes regulares) y geométricas (orden matemático).


               Forma natural                                        Forma artificial
 
Forma orgánica Forma geométrica
9.4 ESTRUCTURA DE LA FORMA
Toda forma se sustenta en una estructura interna, así la forma de una hoja tiene como estructura todo el entramado de nervios primarios y secundarios, siendo la forma de la hoja el envoltorio de la estructura. A su vez los nervios están formados también de formas que los sustentan así sucesivamente hasta llegar a las células y moléculas. La forma de la estructura es un factor determinante que va a influir en su resistencia.
La forma de la hoja está sustentada por una estructura
de nervios principales y secundarios
9.5 REPRESENTACIÓN DE LA FORMA
Las formas se pueden agrupar en dos grandes grupos :
1.   Figurativas : se representa la forma lo más parecido posible a la imagen real.
2.   Abstractas : se representan éstas por medio de sensaciones que el artista trata de transmitirnos.
 
La Virgen del Canciller Rolin, Jan Van Eyck (1435) Arte abstracto
(Arte figurativo)
La forma puede representarse mediante el contorno, la silueta o el dintorno.
1.   El contorno : Se dibuja la forma por una línea cerrada que representa la parte más extrema de la forma. El dibujo que se obtiene es simple.
2.   La silueta : Representa un contorno cuyo interior se rellena de un color. Se utiliza cuando se desea destacar algo o imitar el efecto de contraluz.
3.   El dintorno : Es la manera de representar la forma con todos los detalles interiores en cuanto a color y textura.
9.6 FORMAS PLANAS
Forma plana es la figura de dos dimensiones limitada por rectas, curvas o por combinación de ambas. La forma plana es un concepto inventado por el hombre, en realidad estamos rodeados únicamente de formas tridimensionales. Para su estudio las agrupamos en: regulares, irregulares, libres, figurativas, iguales y simétricas.
1.   Regulares : Son figuras que tienen sus lados y sus ángulos iguales.
2.   Irregulares: Son figuras que no tienen todos sus lados y sus ángulos iguales.
3.   Libres : Son las limitadas por líneas curvas libres y sinuosas (onduladas).
Pere Ignasi
4.   Figurativas : Son formas que guardan un parecido con objetos o elementos conocidos.
Pieter Brueghel el Viejo, Los cosechadores,1565
5.   Iguales : Son las que al superponerse coinciden.
6.   Simétricas : Son las que, teniendo la misma forma y tamaño, su posición queda invertida respecto de un eje imaginario que las divide.
9.7 FORMAS PLANAS BÁSICAS
Las formas geométricas básicas son: el triángulo, el cuadrado y el círculo.
1.   El triángulo : Tiene un fuerte sentido de verticalidad cuando es representado apoyado con un lado horizontal, dando sensación de reposo o estabilidad; pero si es representado apoyado por un vértice, nos produce la sensación de equilibrio inestable y por tanto, de tensión, conflicto, lucha, indecisión, etc.
2.   El cuadrado : Es una figura estable y sólida aunque sean modificados sus lados y convertido en un rectángulo.Teniendo en cuenta que las líneas horizontales se asocian con lo terrenal y las verticales con lo espiritual, el cuadrado, por tener sus lados iguales, y estos situados en posición horizontal y vertical ambas fuerzas (terrenal y espiritual) se compensan o equilibran. Los artistas,utilizan la forma cuadrado en el formato de sus obras cuando quieren transmitir sensaciones de equilibrio, estabilidad, rectitud, esmero, etc.
3.   El círculo : Es la forma geométrica perfecta. Puede tener diferentes significados: inestabilidad, protección, totalidad, cerrado, etc. En el arte se le ha relacionado con lo mágico o divino.
9.8 ILUSIONES FALSAS EN LA PERCEPCIÓN VISUAL
En ocasiones, percibimos formas difíciles de reconocer debido a que nuestra percepción nos confunde. Es el caso de las denominadas ilusiones ópticas.
En la percepción visual tendemos a completar formas aunque estas aparezcan dibujadas incompletas.
La relación espacial entre objetos próximos desempeña también un papel importante; de este modo, es fácil confundir dos figuras que siendo del mismo tamaño la influencia del entorno causa que las percibamos de distinto tamaño.
DEFINICIÓN DE ESPACIO Y VOLUMEN
Espacio es una palabra que proviene del latín spatium y significa “todo lo que nos rodea”. Tiene distintas acepciones dependiendo en el contexto que se use pero como definición general el espacio es la extensión del universo, decimos que todos los objetos ocupan un lugar en el espacio.
Volumen es la parte del espacio ocupada por un cuerpo. Vivimos en un mundo en tres dimensiones, incluso lo que llamamos plano es tridimensional, el concepto bidimensional es una invención del hombre.
Escultura de Chillida
10.2 REPRESENTACIÓN DEL ESPACIO EN LA OBRA DE ARTE
El hombre siempre ha tenido la necesidad de imitar y expresar el espacio que le rodea, para ello a través de los siglos ha ido evolucionando formas y técnicas de representación para hacerlo, como la pintura, escultura, artes escénicas etc …
El Arte en definitiva es nuestra forma de expresar el mundo exterior, en la pintura se siguen ciertas reglas básicas para ello.
10.2.1 La composición
Se llama composición a la manera en que el artista dispone los elementos que componen un dibujo. Los podemos organizar en base a dos grupos :
1.   Las formas positivas, los objetos o las personas representadas
2.   Los espacios negativos, las zonas vacías

Espacio negativo y positivo
3.   El formato, que es la relación entre el largo y el ancho de los márgenes o bordes que limitan la superficie del dibujo.
Para componer una obra o dibujo, el artista coloca convenientemente las formas positivas y los espacios dentro del formato.
                               
Willem van Weeghel
10.2.2 Relaciones cerca y lejos
La realidad en que nos encontramos inmersos es una realidad tridimensional, que posee una altura, un ancho y una profundidad, sin embargo las representaciones tridimensionales se realizan en el plano bidimensional. Los artistas emplean diferentes recursos para crear la sensación de un espacio ilusorio, estos son algunos de ellos algunos de ellos.
1.   Por cambio de tamaño, los objetos se perciben más pequeños cuanto más lejanos están. Este recurso es utilizado de manera consciente por el artista para priorizar objetos en la escena.
2.   Por superposición de planos, gracias a nuestra experiencia percibimos que cuando un plano ésta delante de otro es que esta en una posición más cercana, y por eso se superpone y lo tapa parcial o totalmente.

10.2.3 La perspectiva lineal
Mención aparte pero dentro de la interpretación en el plano de la relación de distancia entre los objetos, está la “perspectiva lineal”, que es una forma más exacta de representación tridimensional en el dibujo bidimensional.
Cuando en Historia del Arte se usa el concepto de “perspectiva lineal” venimos a referirnos, en relación con la pintura y el dibujo, a los métodos de representación de la profundidad espacial.
Hasta finales de la Edad Media no se planteó el problema de la perspectiva en la representación pictórica, recurriendo los artistas a técnicas y soluciones diversas para tratar de reflejar la profundidad del espacio representado. Un aspecto fundamental en la formulación teórica de la perspectiva lineal es el punto de fuga, concebido como aquel en el que convergen todas las líneas de profundidad. Es en la Florencia renacentista de comienzos del siglo XV cuando el problema de la perspectiva se abordó de una manera científica, correspondiendo a Filippo Bruneleschi (1377-1446) la formulación de las primeras reglas en 1413. Este hecho cambió de forma radical la posterior evolución de la historia de la pintura.
                                 
10.2.4 La perspectiva cónica
Es un método de representación matemática de un objeto, que causa en nuestra vista el mismo efecto que si se observara desde un punto determinado con un solo ojo.
Para obtener la perspectiva se interpone, entre el observador y el objeto, un plano denominado plano del cuadro. La intersección de los rayos visuales (trazados desde el ojo del observador hacia el objeto) con el plano del cuadro nos da la perspectiva cónica.
Los elementos que componen la perspectiva cónica son :
1.   Punto de vista. Es el punto desde el cual se observa el objeto. Se corresponde con el ojo del observador.
2.   Línea de horizonte. Es la recta horizontal que coincide con la altura de nuestros ojos. Esta es conocida como la línea que separa el cielo del mar o el cielo de la tierra.
3.   Plano del cuadro. Es el plano que se interpone entre el objeto y el observador sobre el que se obtiene la perspectiva. Este se corresponde con el papel sobre el que dibujamos la perspectiva.
4.   Puntos de fuga. Son los puntos situados en la línea de horizonte donde se dirigen todas las rectas horizontales paralelas entre sí.
10.2.5 Tipos de perspectiva cónica
La perspectiva cónica puede ser clasificada en oblicua y central, según que el objeto esté situado oblicuo al plano de cuadro, o con una de sus caras paralela a él. En el primer caso tendremos dos puntos de fuga, y en el segundo uno solo.
perspectiva central
perspectiva oblícua
10.2.6 Volumen y claroscuro
Cuando una fuente de luz incide sobre un cuerpo, sobre éste apreciamos unas zonas iluminadas y otras que quedan en sombra. La representación de estas diferencias de luz y sombra constituyen la técnica que conocemos como claroscuro.
Cualquier forma que esté representada sólo por su contorno se aprecia como plana, pero en el momento en el que representamos las diferencias de luz y sombra que un foco cualquiera deja sobre dicha superficie, conseguimos la sensación de volumen.
En la historia de la pintura ha habido grandes dominadores de la técnica del claroscuro, Velazquez, Rembrandt, Murillo, Caravaggio, han sido algunos de ellos.
El Filósofo en Meditación - Rembrandt
Las Hilanderas - Velazquez
CONCEPTO DE DIBUJO TÉCNICO
El dibujo técnico es la representación gráfica de un objeto o una idea. Esta representación se guía por normas fijas y preestablecidas para poder describir de forma exacta y clara, dimensiones, formas, características y la construcción de lo que se quiere reproducir.
11.2 ELEMENTOS GEOMÉTRICOS BÁSICOS
1.   PUNTO. Se define como la intersección de dos rectas. No tiene dimensiones, y se nombra con una letra mayúscula (punto P).
2.   LÍNEA. Es una sucesión de puntos. Una línea se denomina recta, cuando los puntos van en una misma dirección, en caso contrario se denomina curva. Las líneas tienen una dimensión, y se nombran con una letra minúscula (recta r ó curva c).
1.   SEMIRRECTA. Es una recta limitada por un extremo, y se nombra mediante el punto origen y el nombre de la recta (semirrecta A-r).
2.   SEGMENTO. Es una porción de línea limitada por dos puntos. Si la línea origen es recta, se denomina segmento, y si la línea origen es curva se denomina arco. Se nombra mediante los puntos de sus extremos (segmento AB o arco AB).
1.   LÍNEA QUEBRADA. Es la formada por varios segmentos o arcos.
1.   PLANO. Un plano se define como la superficie generada por una recta al girar con respecto a un eje perpendicular a ella, tiene dos dimensiones y queda definido por :
-Dos rectas que se cortan.
-Dos rectas paralelas.
-Una recta y un punto.
-Tres puntos.
1.   ÁNGULO. Se define como la porción de plano comprendida entre dos semirrectas que tienen un mismo origen. Dichas semirrectas serán los lados del ángulo, y su origen común el vértice de dicho ángulo.
11.3 ÚTILES DE DIBUJO TÉCNICO
Los útiles más importantes con los que vamos a realizar los dibujos técnicos son: lápices de grafito, el compás, el juego de plantillas, la regla graduada, el transportador de ángulos, la goma de borrar y el sacapuntas.
1.   Lápiz de grafito y portaminas. Se utilizan para el trazado de líneas. La mina que incorpora está compuesta de grafito y arcilla, distinguiéndose unas de otras por su grado de dureza (blandos, semiduros, duros) mediante unas letras y números. Por ejemplo un lápiz que lleve la inscripción B quiere decir que es blando, si lleva HB se trata de un semi duro y si lleva H, será duro. Para el dibujo técnico suele usarse el portaminas que incorpora minas muy finas, evitándonos el tener que estar constantemente afilándolas.
2.   El compás. Este útil es utilizado para el trazado de arcos y circunferencias. La mina debe afilarse en chaflán.
3.   La escuadra y el cartabón, son de material plástico transparente y se utilizan para trazar líneas rectas. Sus bordes pueden ser rectos, biselados o con escalón. Para el dibujo técnico se recomienda adquirirlas de un tamaño mediano y de bordes rectos. En la figura se indican los ángulos que tienen las plantillas así como la forma de colocarlas para el trazado de paralelas, perpendiculares o líneas inclinadas a 45°.
4.   Regla graduada. Se utiliza para medir y transportar medidas. La regla viene graduada en milímetros, es de material plástico transparente y lleva uno de sus bordes, donde va la numeración, biselado.
5.   Transportador de ángulos. Este instrumento se emplea para medir y transportar ángulos. Es de material plástico transparente y su forma es circular o de semicírculo. Viene graduado en la escala sexagesimal. Su uso es recomendado en aquellos casos que no podamos construir el ángulo con la ayuda de las escuadras o el compás.
6.   Goma de borrar. Se utiliza para borrar los trazos sobrantes en un dibujo. Para el dibujo técnico se recomienda que sea de color blanco.


CONCEPTOS GENERALES
Al igual que en las matemáticas que realizamos operaciones de suma, resta y división, también las podemos realizar en la geometría, la diferencia es que en esta es que las realizamos de forma gráfica.
Antes de seguir con los procedimientos vamos a dejar claros los conceptos básicos para poder realizarlos.
1.   Línea recta. Es una sucesión de puntos alineados.
2.   Semirrecta. Es una recta limitada en uno de sus extremos.
3.   Segmento. Es una recta limitada en sus dos extremos.
4.   Medir. En geometría medir un segmento es determinar el número de unidades que están contenidas en dicho segmento.
5.   Valor de la medida. Es el número que expresa la medida.
6.   Distancia. Es el camino más corto que hay entre dos elementos geométricos.
7.   Equidistancia. Es la igualdad de distancias entre dos o más elementos geométricos.
12.2 SUMA DE SEGMENTOS
Dados los segmentos AB y BC para sumarlos seguiremos los siguientes pasos :
·         1. Dibuja la semirrecta r de extremo A.
·         2. Con el compás se mide el primero de ellos y se transporta sobre la semirrecta a partir de A trazando un pequeño arco.
·         3. Después se mide el otro segmento BC y se transporta a continuación del anterior.
·         4. El segmento suma será el que abarque el total los dos, es decir el segmento AC.
Suma de Segmentos
12.3 RESTA DE SEGMENTOS
Dados los segmentos AB y BC. Para efectuar la resta entre los segmento AB y BC debes seguir estos pasos:
·         1. Sobre la semirrecta r de extremo A transporta con el compás el segmento mayor AB, obteniendo el extremo B.
·         2. A partir de B y hacia la izquierda transporta el segmento menor BC, obteniendo el punto C.
·         3. El segmento que resulta de la resta es el AC.
Resta de Segmentos
2.4 DIVISIÓN DE SEGMENTO EN PARTES IGUALES
Para dividir un segmento en partes iguales aplicamos el teorema del matemático griego llamado Tales. Por ejemplo, sea AB el segmento que vamos a dividir en 5 partes iguales. Los pasos que has de seguir son:
·         1. En uno de sus extremos, el A, traza una recta formando ángulo con el segmento dado.
·         2. Lleva sobre ella 5 divisiones iguales con el compás.
·         3. Une la última de estas divisiones con el otro extremo B del segmento.
·         4. Traza, por cada una de estas divisiones, rectas paralelas a esta última, determinando sobre el segmento AB divisiones iguales.
División de segmentos
12.5 DISTANCIA ENTRE DOS PUNTOS
Dados los puntos A y B, la distancia entre estos puntos viene determinada por la longitud del segmento que los une. Por lo tanto, el segmento AB representa la distancia entre esos puntos.
12.6 DISTANCIA DE UN PUNTO A UNA RECTA
Ésta se obtiene trazando por el punto una recta perpendicular a la recta dada hasta su intersección con ella
La mediatriz de un segmento es la recta perpendicular a éste que lo divide en dos partes iguales. Los pasos a seguir para su trazado son:
1. Abre el compás algo más de la mitad del segmento dado AB y, con centro en el extremo A traza una arco.
2. Sin modificar la abertura del compás y con centro en B. traza otro arco que cortará al anterior en los puntos C y D.
3. Une los puntos C y D para obtener la recta mediatriz (dibujada de color rojo).

El trazado de la Mediatriz de un segmento